“Parecía poseer un objeto con ella. Según un amigo, después de que Picasso miraba un papel se extrañaban que quedara algo de él, ya que la mirada era tan fuerte que parecía quemar la imagen”. John Richardson.

“Picasso con su bronceado torso desnudo, en pantalones cortos y pantuflas, salta a la luz diurna: dios de bronce viviente descendido de su pedestal, encarnación de un personaje grandioso, él pertenece a todas las épocas, a las culturas primitivas y a los mundos siderales del futuro. Según incida la luz sobre su cabeza, su poderoso torso o sus robustas piernas ancladas al suelo, unas veces parece un brujo negro y otras un patricio romano”. George Clouzot

El desnudo bajando de una escalera

Los comienzos del siglo XX fueron tiempos intensos, donde los filósofos, intelectuales y artistas como Picasso, Marinetti y Kandinsky trabajaban incansablemente: escribían propuestas editoriales, hacían crítica, opinaban.
Después de dos años París recupera su importancia como lugar de reunión para todos los vanguardistas, para aquellos que iban a recuperar la historia por lo menos hasta 1945. Los dadaístas se toman a París y lo que hacen es proponer un tipo de arte en el que prima los procesos frente a los productos. Ellos hacían collage con latas, hierros, tapones, pedazos de madera y elaboraban composiciones con estos materiales para después convertirlos en arte a través del gesto, de la palabra, de las miradas del espectador. Sería precisamente Duchamp, el artista que ideó el ready made, u objetos prefarbricados. Los ready made son  esculturas realizadas con objetos ya existentes.

La famosa obra Rueda de Bicicleta es una butaco de madera al que el artista le adhirió en el asiento, una rueda de bicicleta. Nos preguntaremos qué lograba el artista con esto, pues de esta manera estaba desmitificando las categorías estéticas que contaban tanto en una obra de arte.   

Con el Dadaísmo se vieron actos exagerados para el público de la época como el del poeta Arthur Cravan quien en una misma sesión bailaba, boxeaba y conferenciaba y quien en la exposición de los Independientes en Nueva York que se realizó en julio de 1917, llegó al lugar, se desvistió ante el público y comenzó a sacar de su maleta cantidad de ropa sucia.

Fue en esa Exposición Internacional de Nueva York donde participaron Picasso y Picabbia, que eran por decirlo así unas puntas de diamante  del movimiento moderno en Europa, pero el que causaría más estupor sería Duchamp con la obra: El desnudo bajando de una escalera. Esta obra fue la que más indignación causó y -todos sabemos que en asuntos de vanguardia afirmar eso es casi tanto como hablar de éxito- (E. de Diego).

Esa obra es clave para entender la modernidad en el arte. Sería seleccionada por el público y por la prensa como símbolo de lo incomprensible y ridículo del nuevo arte y fue tal el escándalo que generó la obra que se abrió un concurso con premio incluido para el que consiguiera dar una explicación al cuadro, porque a pesar de buscarlo y buscarlo allí no acababa de aparecer  “El desnudo bajando de la escalera”.

El artista, después de entrevistarlo, respondería tajantemente: mi deseo es una representación estática del movimiento   

De ahí en adelante Duchamp sería la inspiración para las nuevas generaciones americanas.

Kiki Smith en México; la materia hecha cuerpo
Ramón Almela. Doctor en Artes Visuales

El auge del uso del cuerpo en el ámbito del arte, que empezó alrededor de la década de los Noventa, no ha disminuido. Ha alcanzado dimensiones más virtuales y culturalmente específicas, expandiéndose hacia los confines de la publicidad, la ciudadanía global y la movilidad de la sociedad actual. El cuerpo y su diálogo con el sistema social propugnan nuevas realidades desde los movimientos migratorios y los desequilibrios económicos. El arte no deja de reflejar estos esquemas bajo los nuevos mecanismos de producción de visibilidad, pero el cuerpo sigue siendo el medio de reflexiones e introspecciones del artista escudriñando lo distintivo entre la construcción social como condicionamiento temporal y la base real de la existencia corporal. Reconocerse como cuerpo y existente ha centrado los esfuerzos de muchos artistas. Kiki Smith, hija del afamado escultor Tony Smith, se aproxima en el año 1979 al tema del cuerpo cuando todavía se agitaban las corrientes conceptuales y comenzaban las inclinaciones “neo”, en un intento comercial de revivir lenguajes plásticos, mientras se producía en el pensamiento occidental el derrumbe de las grandes narrativas ante el desencanto de las utopías modernistas que entronizaría la ideología de lo posmoderno. Kiki Smith descendió a las raíces de su esencia femenina entendiendo el cuerpo como aquello que es fundamental en la existencia humana y que enlaza las experiencias de cada individuo.

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LA BELLEZA SE LEE
La continuidad de su tiempo estaba en Florencia. Después de dormir un poco en el tren, de regreso a la ciudad del renacimiento, y de entrar por los cipreses que enmarcan la estación, caminó hacia su casa.
Florencia es la ciudad que siempre se sueña. Su belleza se lee desde la torre de Arnolfo di Cambio, desde Palacio Pitti, desde la inigualable Santa María de las Flores, desde la simetría absoluta del baptisterio, desde el corredor Vasariano, desde la hermosa sala que alberga al David, desde las colinas de Fiesole, desde
Siempre había querido ubicarse dentro del perímetro del centro histórico, recorrerlo a pie, encontrarse con las obras maestras que habitan en el espacio público.
Entrar, sin ninguna pretensión, a los museos y las iglesias cubiertos por taraceas, tallas pintadas, delicada orfebrería, murales provistos de una claridad que iluminaba los ambientes. Observar en las grandes obras el cuidado en el  manejo del cuerpo humano, su estructura anatómica, su movimiento y proporciones hasta tener tiempo para estudiar la construcción y la concepción del espacio figurativo en algunas de sus obras preferidas, como la elegante Puerta del Paraíso, en el Baptisterio, La Adoración de los Magos, de Gentile da Fabriano, el fresco de La Trinidad, de Masaccio y La Batalla de San Romano, de Ucello.    
Es importante saber que parte del arte renacentista que reposa en Italia, se logró por un sistema organizado y protector que contó con gobernantes audaces, conocidos como los mecenas. Apoyaron decididamente a los mejores pintores, arquitectos y escultores, quienes se dedicaron a la conservación de piezas de incalculable valor, la construcción de villas de campo, inmortalizar el retrato de los mecenas en sucesivas pinturas y diseñar el vestuario para la conmemoración de fechas o la realización de una fiesta, entre otras funciones.   

Le inquietaba la historia del mecenazgo por lo que dedicó mucho tiempo al estudio de los Médicis, familia protectora en Florencia de Paolo Uccello, Filippo Lippi, Botticelli y Ghirlandaio. En Urbino, Federico de Montefeltro, protector de Piero della Francesca. En Ferrara, la casa de Este, que acogió a Cosme Tura y a Francesco del cossa.
Y en Rímini, Segismundo Malatesta, contrató a Alberti y Matteo de Pasti. Hasta llegar a Mantua, donde los Gonzaga, obsesionados con la belleza de Florencia, decidieron llevar a Alberti, Mantegna y Lucca Fancelli, para que se acercaran a la ciudad renacentista. 
Su experiencia en Florencia fue intensa. La ciudad sobre la cual se ha
derramado tanto óleo, la materialidad de las figuras y el cromatismo proveniente de los mármoles verdes de Prato, del rosa giottesco con el que se viste Asís, se mezcla con el color terracota de Siena para crear un cuadro inmutable e imperturbable en su memoria.  
La presencia de la cúpula de Filippo Brunelleschi está siempre cerca de cada uno de los habitantes y turistas que la visitan. Parece acompañar y a la vez sorprender sobre los ángulos de las pequeñas calles y desde la distancia de las colinas. La cúpula, que parece suspendida en el espacio y que no traiciona la belleza, conjuga simetría y armonía sobre un plano abierto, continuo y homogéneo. Emprendida en la ciudad del Arno como una de las empresas arquitectónicas que jamás se había realizado, llegó ha convertirse en símbolo de la cultura renacentista. La cúpula representa un lugar de conocimiento para quienes se interesan en el arte.

LOS ESPEJOS DE AGUA
Había comenzado el invierno. Durante esta estación la ciudad adquiere un color particular. Es más, parece que su arquitectura, sus calles, sus parques, se transformaran en espejos de agua. Todo su cuerpo de ciudad desdobla sobre sí para consumirse. El efecto sutil nos lleva a observar por unos instantes una geografía urbana que cambia rápidamente. Ese paisaje de reflejos que sólo lo puede producir la naturaleza. El territorio humedecido que forma el agua en los días de frío, parece delirar en el plano etéreo que éste se dibuja, al fundirse con la luz tenue, museográfica, con la que ha sido concebido el espacio público florentino.

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Mobile Art es un museo que fue concebido como un edificio nómada que recorrerá seis ciudades ubicadas en tres diferentes continentes: Hong Kong, Tokio, Nueva York, Londres, Moscú y Paris. En él se exhibirán obras inspiradas en el lenguaje de Chanel, realizadas por 20 artistas de diversas partes del mundo. (Lun Nov 03 2008)      

Desde el comienzo de su carrera, hacia finales de los años 70’s, los complejos diseños de la arquitecta iraquí Zaha Hadid se han caracterizado por sus innovadoras y atrevidas soluciones formales. A casi tres décadas de haber iniciado su carrera profesional Hadid ha realizado casi todo tipo de proyectos que van desde edificios de vivienda, oficinas, restaurantes, museos, centros de arte y ciencias instalaciones deportivas, pabellones para las más importantes ferias de arte y diseño, entre otros.

En sus diseños constantemente experimenta con formas que rompen con la noción euclideana del espacio, ya que juega con elementos arquitectónicos que se curvan de piso a techo o con estructuras que retan a la fuerza de gravedad, provocando tensión en el espacio ya que dan la impresión que pudieran desplomarse o intersectando muros que generan ángulos muy agudos, además de muchos otros recursos que rompen con la ortogonalidad de los espacios arquitectónicos convencionales.

-Chanel Mobile Art-, una de las más recientes creaciones de Hadid, es uno de los espacios que mejor refleja la distancia que tiene la arquitecta de orígen iraquí con respecto a la arquitectura moderna de funciones específicas, resuelta a partir de una extrema economía de medios y formas áridas y duras. -Chanel Mobile Art- es un encargo que le hizo Kart Lagerfeld, director de la casa de modas francesa Chanel a la ganadora del premio Pritzker del 2005, quien para la solución formal de esta obra se inspiró en la famosa gardenia blanca, uno de los elementos más representativos de Coco Chanel.

http://es.youtube.com/watch?v=zPFao0JLmxg&feature=related

-Chanel Mobile Art, museo que rompe con la noción euclideana del espacio, juega con elementos arquitectónicos que se curvan de piso a techo o con estructuras que retan a la fuerza de gravedad, provocando tensión en el espacio-.

El proyecto es un museo en donde se exhibirán obras realizadas ex profeso para este espacio y que parten del lenguaje visual de Chanel. Una de las características más importantes de Mobile Art es que fue concebido como un -edificio nómada- ya que la intención de la casa de modas es que recorra seis ciudades ubicadas en tres diferentes continentes: Hong Kong, Tokio, Nueva York, Londres, Moscú y Paris. La estructura cubre una superficie de 700 m2 y es totalmente desmontable.

De acuerdo al propio Kart Lagerfeld, Mobile art, más que una exposición itinerante o un edificio móvil, es una experiencia artística, y de hecho así es como se concibieron tanto la arquitectura del edificio como la exposición.

El diagrama a partir del que se desarrolló la planta del edificio es muy simple, es una especie de bucle al que se accede y sale desde un mismo punto. El espacio fue concebido a manera de película, cuadro por cuadro, pero de manera tridimensional. La película se ve conforme el visitante transita el espacio. En relación a las cualidades -cinematográficas- del espacio, Fabrice Busteau, curador de la exposición explica el proyecto a partir de una analogía muy interesante: -El curador es el director del film, los actores son las obras de arte, y los escritores son los artistas. Así también, hay un director de fotografía quien también es el director de arte: Zaha Hadid-.

http://es.youtube.com/watch?v=rJaF6xtJj1s&feature=related

-El proyecto es un museo en donde se exhibirán obras realizadas ex profeso para este espacio y que parten del lenguaje visual de Chanel-.

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Arte y Ciudad

Durante el siglo XX y con muchísima fuerza hoy, a los artistas la ciudad les ha importado como un escenario vivo en el que producen su obra. Podríamos afirmar que la ciudad es el lugar donde acontece la historia del arte del siglo XX.

Como sostiene la crítica de arte española, Estrella de Diego: -No hay arte del siglo XX sin una ciudad y no hay una ciudad sin arte moderno y contemporáneo, además podemos decir que la historia del arte está marcada por los encuentros apasionantes entre ciudad y artistas y no la podemos plantear únicamente como una historia de los estilos-.

Con el arte moderno se da un cambio radical que se produce en la obra de arte pictórica: se involucran nuevos materiales, nuevos espacios, esto debido al auge de los medios de comunicación y la presencia del artista en la obra se convierte en un mensaje efectivo para comunicarse con el público.

“CONFERENCIA JUEVES 20 DE NOVIEMBRE DE 2008. 4.00 PM. PALACIO DE BELLAS ARTES

La Museóloga y Galerista Luz María Osorio dictará la conferencia: -Los enfoques de la fotografía en el arte contemporáneo-, este jueves 20 de noviembre, a las 4 de la tarde. Sala Cano del Palacio de Bellas Artes. Carrera 42 No. 52 -33; La Playa con Córdoba.

Luz María Osorio es galerista en Londres en donde tiene su espacio expositivo: www.lightgallery.com

Están todos invitados a una charla que dará cuenta del papel que cumple la fotografía hoy, visto a través de los ojos de una persona estudiosa y conocedora del arte contemporáneo.

Tokujin Yoshioka (Saga, Japón, 1967)
El espacio, el volumen de la luz, la sensación del vacío, la materia orgánica que se expande en el cubo de la galería, por entre las escaleras, que se asoma a la pared de vidrio, el vértigo; son ideas, sensaciones, motivos que trasmite la obra de Yoshioka, artista japonés (1967) con amplio reconocimiento en el mundo del arte. Graduado en Diseño, en la ciudad de Tokyo, trabajó para marcas conocidas como BMW, Nissan, Shiseido, entre otras.
Los invito a que visiten su web, una lección de buen gusto. http://www.tokujin.com/

Les comparto este trabajo de los artistas Robin Hewlett y Ben Kinsley, link enviado pro Hugo Angel.

Robin Hewlett y Ben Kinsley intervienen sobre el proyecto de Google Maps Street View para crear  una calle con una vista muy particular con la colaboración de los residentes del área elegida, Sampsonia Way, en Pittsburgh. El resultado está documentado en: Street with a View y puede verse directamente en Google Maps Street View”.
Hugo Angel

Street With A View introduces fiction, both subtle and spectacular, into the doppelganger (clon / doble) world of Google Street View.
On May 3rd 2008, artists Robin Hewlett and Ben Kinsley invited the Google Inc. Street View team and residents of Pittsburgh’s Northside to collaborate on a series of tableaux along Sampsonia Way. Neighbors, and other participants from around the city, staged scenes ranging from
• a parade and
• a marathon, to
• a garage band practice,
• a seventeenth century sword fight,
• a heroic rescue
• and much more… 
Street View technicians captured 360-degree photographs of the street with the scenes in action and integrated the images into the Street View mapping platform. This first-ever artistic intervention in Google Street View made its debut on the web in November of 2008.
An incredible cast of real-life characters contributed their time, energy and talents to creating pseudo-street life on Sampsonia Way. Please check out the scene breakdown, the participant page and the video documentation to learn more about the artists, groups and participants that made Street With A View
possible.