CORRESPONDENCIAS VISUALES: ESTÉTICAS AFRICANAS EN EL OJO MODERNO

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CORRESPONDENCIAS VISUALES: ESTÉTICAS AFRICANAS EN EL OJO MODERNO. (I Parte)

(A propósito de una conferencia dictada por mí en El Colombo Americano de Medellín)

UNA ETNOGRAFÍA POR EL SÍMBOLO Y EL OBJETO EN EL ARTE AFRICANO COMO SISTEMAS DE REPRESENTACIÓN EN LA IMAGEN QUE DECONSTRUYE PICASSO Y QUE SE EXPANDE AL SINCRETISMO PRESENTE EN EL ARTISTA CUBANO JOSÉ BEDIA EN DONDE SE FUSIONA LA CULTURA AMERINDIA CON LA CULTURA AFRICANA. APROPIACIÓN Y REACTIVACIÓN DE LAS ESTÉTICAS AFRICANAS EN EL OJO MODERNO.

UN CONTINENTE MACISO Y VASTO, TREINTA MILLONES DE KILÓMETROS CUADRADOS DEFINEN UN TERRITORIO EN EL QUE CONVERGEN BLANCOS Y NEGROS, LOS QUE SON UNA MEZCLA, LOS ETÍOPES, LOS DEL NILO, LOS  DEL SUDÁN, LOS DEL CONGO Y LOS SUDAFRICANOS, ASÍ MISMO LAS RAZAS AUTÓCTONAS DE PIGMEOS, BOSQUIMANOS Y HOTENTONES.
ÁFRICA VIO DESFILAR A PORTUGUESES, BRITÁNICOS, NEERLANDESES Y  FRANCESES, ENTRE OTROS QUE EN MÚLTIPLES EXPEDICIONES, MÁS ALLÁ DE ABUSOS Y DESMANES, PERMITIERON A OCCIDENTE ACERCARSE A UN CONTINENTE RICO EN ARTE Y EXTENSO EN CULTURA.  

HABLAR DE ÁFRICA ES HABLAR DE LA AFINIDAD ESPIRITUAL EN LOS OBJETOS Y LA FUERZA EXPRESIVA DE SUS TALLAS. ASI MISMO SE DESTACA LA CAPACIDAD DE ABSTRAER DE LOS OBJETOS ALGUNAS DE SUS CUALIDADES Y ESTO CONUDCE AL ARTE AFRICANO A UN PROCESO DE SIMBOLIZACIÓN QUE MARCARÁ UNAS RUTAS PARA LA ANTROPOLOGÍA CULTURAL LA CUAL TENDRÁ QUE AFRONTAR LA MIXTURA INTERPRETATIVA DE LOS VALORES ESTÉTICOS AFRICANOS, TANTAS VECES CONFUNDIDOS EN LA RELACIÓN CON OCCIDENTE PARA QUIEN EL ARTE DE LOS PUEBLOS PRIMITIVOS ES ESTRICTAMENTE FUNCIONAL YA QUE SIEMPRE APARECE APLICADO A UNA UTILIDAD PRÁCTICA, A RITUALES Y CEREMONIAS O A UN ACTO DE PRESTIGIO SOCIAL. LO QUE SI NO SE CUESTIONA ES QUE EL ARTE AFRICANO ESTÁ RELACIONADO DE ALGÚN MODO CON LA RELIGIÓN A LA QUE SE LIGA NECESARIAMENTE LA MAGIA Y LA BRUJERÍA. LA MAGIA CONSTITUYE EN EL MUNDO NEGROAFRICANO EL MÉTODO MÁS EFICÁZ PARA APODERARSE DE LA FUERZA DE LOS ESPÍRITUS Y OBLIGARLES A ACTUAR EN PROVECHO PROPIO Y ESTE MÉTODO ES APLIACADO POR UN HOMBRE –EL HECHICERO O BRUJO- QUE TIENE DOMINIO SOBRE LOS OBJETOS MÁGICOS Y LOS FETICHES, HACIENDO USO DE LAS MÁSCARAS COMO MEDIO CON EL QUE CAPTAR LA FUERZA SOBRENATURAL DE LOS ESPÍRITUS. OBJETOS UTILIZADOS EN LOS RITOS DE INICIACIÓN, LA MÁSCARA ES UNA APARIENCIA DEL ESPÍRITU EN SI MISMO, ES UN CONECTOR DE COLECTIVIDADES, ES UN ELEMENTO DIFERENCIADOR QUE “INVADE” EL CUERPO Y EL ESPÍRITU DEL PORTADOR, ES OBJETO IMANTADO QUE DEFINE EL RUMBO DEL RITUAL EN EL QUE PARTICIPA EL HOMBRE PRIMITIVO, ESE MISMO RITUAL QUE BUSCÓ TANTAS VECES PICASSO: “SIEMPRE HABÍA ESTADO PREOCUPADO CON EL ESPECTÁCULO DE SI MISMO COMO EL HOMBRE PRIMITIVO: UNA FICCIÓN, PERO CONSOLADORA Y DURADERA. QUERÍA IR UN PASO MÁS ALLÁ: PINTAR ALGO QUE, EN DESAFÍO A LAS CONDICIONES SECULARES Y ESPIRITUALMENTE EXORCISADAS DE LA VIDA MODERNA, NO SÓLO DESAFIARA, SINO QUE REALMENTE INVISTIERA AL ESPECTADOR CON SU PODER ICÓNICO: EL PODER PERDIDO DE LA MÁSCARA. COMO ANDRE MALREAUX RECUERDA EN SUS MEMORIAS DE PICASSO –LA CABEZA DE OBSIDIANA-, PICASSO, EN SU VEJEZ, ESTABA OBSESIONADO CON ESTE PROYECTO: “DEBO ENCONTRAR POR FIN LA MÁSCARA”. ROBERT HUGHES.

ESA MÁSCARA QUE ES SÍMBOLO, FETICHE Y OBJETO FUERON PARA PICASSO EL LABERINTO QUE RECORRIÓ COMO EL MINOTAURO PERDIDO. BUSCÓ EN LOS ARCHIVOS DE LA TRADICIÓN Y DECODIFICÓ LA IMAGEN PARA EL ARTE MODERNO.

UNA MÁSCARA DOBLE SIGNIFICÓ ÁFRICA PARA PICASSO. EL CONTINENTE QUE HA UTILIZADO EL ARTE PARA REPRESENTAR SUS SISTEMAS DE CREENCIAS RELIGIOSAS, PARA DEJAR CONSTANCIA DE SU HISTORIA, PARA DESCRIBIR LOS ACONTECIMIENTOS IMPORTANTES EN SUS VIDAS Y LAS VIDAS DE SUS COMUNIDADES, O PARA LA DECORACIÓN DEL ENTORNO EN QUE VIVÍAN, LA ORNAMENTACIÓN PERSONAL O EL EMBELLECIMIENTO DE LOS OBJETOS COTIDIANOS QUE UTILIZABAN, SERÍA MOTIVO DE BÚSQUEDA PARA EL ARTE MODERNO.

 

Arquitectura: Museo Guggenheim de Vilnius

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Arquitectura: Museo Guggenheim de Vilnius: Un edificio aún más extravagante que el de Nueva York y el de Bilbao [Zaha Hadid]

Lituania es un país que está en constante modernización y buena muestra de ello es que en breve tiempo los turistas que la visiten podrán visitar también un museo Guggenheim que desde luego se podrán convertir en uno de los referentes turísticos del país. Estos museos ya los hay en muchos países del mundo y siempre atraen a muchos turistas que quieren ver su interior y su sorprendente exterior que gusta mucho. (Jue Oct 23 2008)
Si por algo se caracterizan los museos de la Fundación Guggenheim [aparte de sus exposiciones, claro] es por su planteamiento atrevido e inusual. El diseño vanguardista es la piedra de toque de estos singulares edificios. Y el nuevo proyecto situado en Vilna [Lituania], no iba a ser menos. Quien se encargará de esta magna obra será la arquitecta Zaha Hadid, británica de origen iraquí que fue galardonada en 2004 con el prestigioso Premio Pritzker de Arquitectura.

Este de Lituania se hará en la capital como es lógico y será aún más extravagante que el de Nueva York en Estados Unidos y el de Bilbao en España. Se pretende que esté listo para el 2011. El prototipo tiene una apariencia como de platillo volante. El exterior es alucinante pero según se comenta su interior sorprenderá a todos los que lo visiten.

Este museo tendrá un impacto muy positivo en Vilnius ya que será otro reclamo más para los turistas. Además como saben esta ciudad será la capital europea de la cultura 2009 y con este museo su importancia crecerá. A muchos no les gusta el diseño ya que no lo consideran acorde con la ciudad y su arquitectura pero otros dicen que será todo un éxito y que gustará mucho ya que esa estructura y apariencia en principio extraña hará que muchos se acerquen a visitarlo.

Hadid ha ideado una estructura que por sus líneas curvadas nos recuerda a la Jet House: muy areodinámica, transmitiendo sensación de movimiento y velocidad pese a tratarse de una construcción estática. Las formas ofrecen una continuidad muy placentera para la vista, y al mismo tiempo ayudan a integrar el edificio con el resto de su entorno.

Pero sí se conoce su ubicación, frente al río Neris, zona en la que se pretende intensificar la vida pública. Un planteamiento que nos recuerda al del Museo Guggenheim en Bilbao. Además de ser un lugar que encaja a la perfección con su diseño fluido, el nuevo Guggenheim quiere convertirse en el epicentro de la actividad cultural en el futuro parque, donde los viandantes puedan admirar esta obra arquitectónica, dar un paseo, sentarse en la escalinata y, cómo no, asisitir a los eventos que allí tengan lugar.

El proyecto de Hadid, que se impuso en concurso al de otros dos renombrados arquitectos [Daniel Libeskind y Massimiliano Fuksas], abrirá sus puertas a partir del 2011, siempre bajo las previsiones más optimistas. La misma Hadid manifestó su ilusión por llevar adelante esta obra: -estoy encantada de trabajar en Vilna en el Museo Guggenheim. La ciudad será la Capital Europea de la Cultura en 2009 y tiene un largo historial de patrocinio artístico-, declaró.

El museo de Lituania será aún más extravagante que el de Nueva York en Estados Unidos y el de Bilbao en España.

El prototipo tiene una apariencia como de platillo volante. Se pretende que esté listo para el 2011.

La forma del edificio es muy areodinámica, transmite sensación de movimiento y velocidad pese a tratarse de una construcción estática.

Las formas ofrecen una continuidad muy placentera para la vista, y al mismo tiempo ayudan a integrar el edificio con el resto de su entorno.

Fuentes: dvice.com,tuexperto.com, taringa.net y lituania.pordescubrir.com

http://www.arq.com.mx/noticias

 

2009 1+2+3+4+5+6+7+8+9+10+11+12

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Los mejores deseos para todos los lectores de Letras Anónimas.
Que en 2009 trabajemos por una mirada cada vez más consciente y selectiva

 

El Expresionismo

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El Expresionismo

El expresionismo, de origen alemán, tiene su máximo esplendor entre 1905 y 1925.  Sus artistas apostaron a la profunda calidad del color para comunicar estados emotivos. Entendieron los colores como dramas.  Al Expresionismo, lo caracterizó la deformación, para intensificar el mundo interior más que la realidad objetiva, todo ello producto de la búsqueda de un impulso emocional muy fuerte. Es el soporte sobre el cual el artista se vuelca y con él, combate toda forma del arte como imitación. Como movimiento fue sinónimo de modernidad y una forma de rebelión contra la moral vigente.

Entre los artistas, que se cree, influyeron poderosamente a los expresionistas están los impresionistas y postimpresionistas, también Grünewald, Goya, el Greco, Brueghel, El Bosco. Los temas fundamentales del expresionismo: el hombre sumergido en su ambiente natural, lejos de la vida industrial y el desnudo, así refuerzan la idea del hombre transportado al paraíso y lejos del caos de la vida moderna.

El expresionismo lo adelantan dos grupos, que desde el comienzo se perfilan como opuestos: El primer grupo la comunidad artística El Puente. Liderado por Ernst Ludwing Kirchner.  Su base la ciudad de Dresde, en Alemania. Conciben su arte como una forma directa y no convencional de transformar la realidad en una abreviatura pictórica. Su práctica artística  buscaba plasmar por medio de imágenes las expresiones sensoriales y las impresiones visuales. Luego sus integrantes parten para Berlín, donde cada uno se independiza con el fin de lograr mayor reconocimiento.
El otro grupo,  llamado El Jinete azul, y con sede en Munich buscó  una  proyección más intelectual y plagada de manifiestos. Sobresalen figuras como Wassily Kandinsky y Paul Klee.

Kandisky, pintor ruso exilado en Alemania. Nace en 1866. Basaba su acción en profundos conocimientos teóricos y produjo textos como “Lo espiritual en el arte” de gran influencia en el arte moderno. Se le abona la superación del lenguaje formal del Expresionismo y cuaja una configuración pictórica libre con sus estallidos de color y sus manchas misteriosas.  Pintor nómada, fue quien más hizo para promover el concepto de la abstracción ideal.

Franz Marc, nació en 1880. Prefiere los paisajes y la representación de animales. Desarrolló una útil teoría de los colores complementarios. Basó sus superficies en la teoría psicológica del color.

Egon Schiele (1890-1918), pintor austriaco nacido cerca de Viena. Estuvo muy influenciado por Gustav Klimt. La figura humana y sus desnudos masculinos y femeninos son de una gran belleza erótica.  Su temprana muerte sucede en Viena, aquejado de una gripe.

Oskar Kokoschka. Dedicado al retrato. Dio rigor al  efecto psicológico y a la fisonomía. Se interesa mucho por las manos de sus retratados y sus ambientes son cargados de tensión.

Edvard Munch, (1863- 1944) noruego, quien no militó en sus filas pero es el indiscutible precursor del Expresionismo,  especialmente con su inolvidable cuadro “El grito”.

Es claro que la Primera Guerra Mundial derroca sus anhelos de solidaridad y de espiritualidad. Muchos de los integrantes de este movimiento cayeron en combate o se derrumbaron moralmente. La obra de Otto Dix se convirtió en un manifiesto contra el militarismo. El expresionismo sigue siendo un arte entre la vida y la muerte. Es un manifiesto que apuesta al trabajo intenso y al mundo interior.

 

 

 

-Filón de oro en las venas más innobles-

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“El catador de belleza termina
 por encontrarla en todas partes,
filón de oro en las venas más innobles, y goza,
 al tener en sus manos esas obras maestras
 fragmentarias, manchadas o rotas,
 un placer de entendido
 que colecciona a solas
 una alfarería que otros creen vulgar”.

M. Yourcenar. Memorias de Adriano.

 

 

 

“Ver es algo que debe ser aprendido”

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“Ver es algo que debe ser aprendido”.

Tres Pintores, tres épocas alrededor del “Concierto campestre”

Tres pintores y tres épocas: “Telón de fondo” de Beatriz González, pintora colombiana. “El almuerzo sobre la hierba” de Manet, en 1863. “El concierto campestre” iniciado por Giorgione y terminado por Tiziano, en 1510.

“Concierto campestre” obra a cuatro manos: Giorgione y Tiziano. De 110 x 138 cm. Se puede visitar en el Museo del Louvre. Giorgione nace en Venecia en 1477 y muere en 1510. Primer pintor laico del Renacimiento. Por ello, la búsqueda de recuperar el ideal clásico, la admiración por lo grecorromano y un ideal de perfección se ve plasmado en esta obra.  Tiziano nace en 1476 y muere en 1576  está a la cabeza de los artistas venecianos de su época y dota a sus obras de gran dramatismo.

La obra “Almuerzo sobre la hierba”,  primero se llamó “El baño”, del pintor Manet (n. 1832 – m. 1883) es una obra homenaje o alusión al “Concierto campestre” de Tiziano y Giorgione. Manet, un pintor de familia burguesa. Aprendiz de piloto. Viajero que conoció diversos países y llegó incluso a conocer la ciudad de Río de Janeiro. Visitante asiduo del Louvre. Su obra “Almuerzo sobre la hierba” mide 214 x 270 cm y está ubicada en el Museo D`Orsay de París. Este cuadro lleva la anécdota de haber causado escándalo porque admitía una mujer burguesa desnuda, en una clara invocación a la vida moderna.

Manet considerado precursor del impresionismo, prefería la pincelada rápida y empastada. Su obra como la de todo el movimiento impresionista abogó por el paisaje, el cuerpo humano, el color puro y la exhuberancia de la luz. Un movimiento en reacción a las posiciones academicistas de la época.
Por su parte, la  obra de la santandereana, nacida en 1938  Beatriz González “Telón de fondo” -1975- está inspirada también en la comentada obra de Manet. En esta pieza Beatríz González revela su búsqueda del arte kitsch y del arte pop, manteniendo una distancia del estilo norteamericano. En este movimiento se rechaza el arte abstracto, se enaltecen los objetos triviales y de consumo masivo. La maestra opta por los esmaltes sintéticos y utiliza soportes novedosos como muebles, latas, canastas. En su estética hay una simbiosis de héroes y personajes de la iconografía religiosa y política. Una de sus fuentes es la gráfica de los periódicos.
Tres obras, un mismo tema y las palabras de H. Wölffin “Ver es algo que debe ser aprendido”.

NATURALEZA MUERTA CON RESIDUOS

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NATURALEZA MUERTA CON RESIDUOS
COMENZÓ A BAJAR POR LA VIEJA ESCALERA. NO SABEMOS POR QUÉ CARGABA UNA SOMBRILLA ABIERTA EN UN DÍA CLARO, DE AIRE PLATEADO. ERA JOVEN, DELGADO Y SILENCIOSO, TAL VEZ ASUSTADO. VESTÍA UNA TÚNICA LARGA DE COLOR NARANJA. DESCENDÍA LENTAMENTE, COMO CONTANDO LOS DÍAS DE SU VIDA. NUNCA DESVIÓ LA MIRADA DE LA PARED DE CRISTAL QUE LE SERVÍA DE FONDO AL BORDE DE LA MONTAÑA. REPARABA EN CADA UNO DE SUS MOVIMIENTOS, ESCASOS Y FRÍOS. LA SOMBRILLA ERA SU CASA, PROTEGIÉNDOSE SIEMPRE BAJO LA CÚPULA NEGRA QUE LO CONECTABA CON EL CIELO. ABAJO LO ESPERABA UN MAR ABIERTO QUE HABÍA TRAÍDO A CENTENARES DE HOMBRES QUE LLEGABAN EN BICICLETAS, VESTÍAN ABRIGOS LARGOS DE COLOR GRIS Y SOMBREROS REDONDOS. LAS CABEZAS DE AQUELLOS HOMBRES ESTUVIERON SIEMPRE INCLINADAS HACIA EL SUELO, NUNCA QUISIERON DEJAR VER SUS ROSTROS PERDIDOS DE TANTO MIRAR A TRAVÉS DEL CRISTAL POR EL QUE AHORA DESCENDÍA EL JOVEN MUCHACHO. ESA PARED ERA EL ESPEJO QUE ANUNCIABA EL DESTIERRO.    

LUCRECIA PIEDRAHITA   

Nueva Facultad de Artes y Humanidades ITM para la Ciudad

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El ITM creó nueva Facultad de Artes y Humanidades paraMedellín. La Facultad apoyará las labores académicas en tres de los seis campus del Instituto: Robledo, Fraternidad Medellín y la Escuela Profesional de Artes, EPA.La nueva Facultad de Artes y Humanidades fue creada mediante el acuerdo número catorce, del 5 de diciembre de 2008, emanado del Consejo Directivo del ITM, que preside el Secretario de Educación de Medellín Felipe Andrés Gil Barrera, en representación del Alcalde Alonso Salazar.

Para Felipe Gil se trata de “un nacimiento maravilloso para fomentar la cultura, la música y el arte en un
centro de estudios superiores, con un énfasis orientado a las ciencias, a la tecnología y a las ingenierías”.

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“Durero en su autorretrato con piel”

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Nuestro recorrido por la Historia del Arte se detiene en Alberto Durero, pintor alemán, referente del Alto Renacimiento y columna del arte. Nacido en Nuremberg en 1471. Su formación artística se inicia en el taller de orfebre de su padre.
Después viaja a Italia en donde retoma todos los planteamientos de la Escuela Italiana, contrario a otros pintores alemanes de su época como Mathías Grünewald, Lucas Cranach el viejo.

Es sin duda, uno de los más célebres retratistas. En sus retratos hay preferencia por lo monocromo y comunican el  estado de ánimo y las actitudes intelectuales y morales del personaje. Anotemos de esta serie “Retrato al carbón de su madre” y “el retrato de su maestro”. Se destacan también su  producción de autrorretratos. En especial, “Durero en su autorretrato con piel”.

Buena parte de su obra está basada en temas bíblicos. Su grabado “Adán y Eva” pintado en 1507, se convirtió en los primeros desnudos en tamaño natural de la pintura alemana. En su pintura se reflejan los ideales del Renacimiento, donde además, el Apocalipsis era una amenaza constante, así mismo el interés por el ser humano, su sentir, y su expresividad. A la manera de Castiglione, entendió que la quintaesencia de la elegancia está en conservar la calma y la mesura en todas las circunstancias evitando toda ostentación y exageración. En su obra también subyace el interés por la individualidad, la investigación de las leyes naturales y un sentido de fidelidad a ellas.

Es considerado un grabador magistral.  Es excepcional el valor tanto de las luces como las sombras. Grabados importantes: “El caballero”, la Muerte y el Diablo”, también “La Melancolía”, máximo ejemplo de rigor y maestría. Su producción plástica cuenta con más de 70 pinturas al óleo,  100 los dibujos acuarelas, 100 grabados en cobre y 250 xilografías.

Adquiere la fiebre palúdica en un viaje a los Países Bajos. Tenía el gran proyecto de publicar sus estudios teóricos. Alcanzó a publicar un texto y dos tratados: “Instrucción acerca de la manera de medir” (1525) y “Tratado de las fortificaciones” (1527) y el libro póstumo “El tratado de las proporciones del cuerpo” (1528).

Durero, grande entre los grandes.

William Turner, la grandiosidad de la melancolía

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William Turner, la grandiosidad de la melancolía

William Turner, pintor inglés nacido en Covent Garden 1775, artista romántico del paisaje inglés. Joven ingresa a la Escuela de Artes de la Royal Academy. Este hijo de barbero, ya a los 9 años recibió su primer encargo de colorear un grabado.
Turner es el pintor de la luz y el color, de las veladuras incomparablemente finas, de la simbiosis perfecta entre cielo y agua. El pintor de las atmósferas y las marinas. Tras su viaje a Italia, el asombro por lo mediterráneo lo acompañaría el resto de su vida. Un creador que  presintió el vapor, el humo y la niebla como  vehículos inmateriales del color.

Es el primer pintor en ofrecer la transformación física del paisaje, por su personal interpretación de las fuerzas cósmicas de la naturaleza y su fundamental experimentación del color. Fundó una estética que lo convierte en el primer artista moderno, porque el paisaje que aparece en sus lienzos adquiere connotaciones modernas, mediante empastaduras y exquisitas fluideces y transparencias.  Alguna vez dijo:”No lo pinté para que fuera entendido sino porque quería mostrar como luce semejante espectáculo”.

Pertenece a la sensibilidad romántica junto con Constable. Ambos ingleses pugnan por transmitir emociones. Así su obra huye intencionada de lo apacible y doméstico. Su vocación, es entonces, por lo sublime, lo tempestuoso, lo etéreo, lo indomable. Obras importantes: “Tormenta de nieve: Aníbal y su ejército cruzando lo Alpes” (1812), muy autobiográfica. “Lluvia, vapor y velocidad” donde se aparejan lo sublime y la técnica. “Paz, sepultura en el mar” (1842). “Tempestad en la nieve” donde domina el claroscuro. “Fiesta en la laguna” (1845). “El barco de guerra temerario es transportado a su último ancladero para ser desmantelado”, con fuertes alusiones a su biografía. En su etapa final, encontramos una obra con mucho carácter. En esos cuadros evade toda interpretación figurativa del paisaje.

Recibió influencias de Claudio Lorena y cuando visitó el Louvre observó atento la obra de Tiziano y Rembrandt. A su vez, influenció a muchos artistas, en mi concepto Rothko es uno de sus más célebres observadores. También escribió numerosos poemas. Abrió su propia galería, hizo muchas ilustraciones para guías de viajeros. Trabajó para arquitectos. Realizó muchos dibujos vendidos en carpetas. Este pintor romántico de sentimientos liberales muere en 1851 y en su estudio se encontraron 19.000 dibujos y bocetos, producto de una vida retirada. En su obra es muy clara la ausencia de la figura humana. Su obra resume  “la grandiosidad de la melancolía”.

 

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